Ateliê de Artes Visuais: Linguagens Bidimensionais

Apresentação

Seja bem-vindo(a) a participar desta disciplina! Aqui você iniciará sua reflexão sobre desenho e sua aproximação com as práticas artísticas. Iremos explorar a bidimensionalidade, ou seja, exercícios de desenhar. Não existe uma receita para ser um(a) bom/boa professor(a) de artes, mas podemos dizer que a curiosidade e a paixão pelo fazer artístico é um dos pontos de partida para que os alunos também se interessem por essa maneira de dialogar com a vida. Uma boa forma de começar é investigar os procedimentos artísticos, as diversas possibilidades de utilizá-los, explorando resultados variados. Essa investigação gera um interesse pela área e assim conseguirá despertar em seu aluno o envolvimento com as artes visuais. Nesta disciplina, é preciso dedicação; às vezes, ir além do proposto para um efetivo aproveitamento. Lembra-se do verso do Carlos Drumond de Andrade “amar se aprende amando”? Pois isto serve também para o desenho. Aprende-se a desenhar desenhando!

Bom trabalho!

Unidade 1: O que pode ser Desenho?

O desenho é uma linguagem. Através dela, expressamos e comunicamos uma ideia, uma imagem, um signo. A definição no Novo Dicionário da Língua Portuguesa de Aurélio Buarque de Holanda Ferreira diz que “desenho é a representação de formas sobre uma superfície, por meio de linhas, pontos, manchas, com objetivo lúdico, artístico, científico ou técnico... A arte e a técnica de representar com lápis, pincel, pena, etc. um tema real ou imaginário... Traçado, risco, projeto, plano”. Vamos começar falando sobre sua relação com o desenho:

• Você desenha? Há quanto tempo?
• Alguém lhe ensinou ou você aprendeu sozinho?
• Quais materiais você utiliza para desenhar?
• Você conhece pessoalmente ou já leu sobre alguém que trabalha com desenho ou pintura?

Geralmente, a iniciação em artes visuais (ou artes plásticas) começa pelo desenho. Por que será? Será que é mesmo necessário “aprender” primeiro a desenhar realisticamente, depois a pintar, esculpir, modelar, e daí por diante? Existirá uma hierarquia nas formas de representação? Na vida fora da escola, será que é dessa maneira que aprendemos?

Possíveis respostas para essas questões vêm do lugar histórico que o desenho tem ocupado na tradição das academias. Desde a estruturação de nossos cursos superiores, na década de setenta do século XX, herdamos essa tradição de valorizar o desenho antes das outras formas de representação.

No entanto, podemos trabalhar com uma ideia mais ampla de desenho sem deixar de satisfazer àquele interesse pela representação visual mais realista.

Propomos então uma viagem pelo desenho, que começa pela reflexão sobre a seguinte afirmação:

“Eu não sei desenhar”

Quantas vezes você já disse ou ouviu essa sentença? Essa é a frase mais comum quando se pede a alguém para fazer um desenho. Porém, se uma pessoa é capaz de organizar, de forma harmoniosa, seu próprio vestuário, a disposição dos quadros na parede de sua sala, arrumar uma mesa de jantar para recepcionar os amigos, ela está lidando com elementos de arte como harmonia, equilíbrio, ritmo, mesmo que de forma inconsciente. Mudar a disposição dos móveis ou realizar alguma outra função cotidiana que envolva uma organização de formas, linhas, cores, texturas, sabores, ritmos etc., tudo isso está intimamente relacionado ao ato de desenhar. O que desejamos, nesta disciplina, é ajudar a desconstruir a ideia de que o único tipo válido de desenho é o realista, o figurativo, uma vez que toda organização e estruturação de elementos poderia ser considerada desenho; e uma forma não é mais correta que a outra.

Desenhar, portanto, é projetar com os olhos, com o corpo, com as mãos, com a mente, com nossos desejos. O nosso corpo todo é capaz de desenhar, e desenhamos, mesmo que não tenhamos consciência disso. Desenhamos com os olhos, selecionamos pontos de vista com o olhar, estabelecemos relações formais, identificamos estruturas lineares, percebemos texturas e até mesmo identificamos, nas manchas e nas nuvens, figuras que parecem isto ou aquilo. Vejamos o texto do Blog da artista e professora Manoela Afonso:

Assim como a professora Manoela Afonso, podemos exercitar esse prazer de desenhar o mundo, desenhar no mundo, bem como perceber que somos desenhados no mundo e pelo mundo. Por isso, antes de começar as “lições de desenho”, convidamos a você a realizar umas “lições de vida” cotidiana, corriqueira, mas que oferece muitas situações desenhativas, termo tomado de empréstimo dos escritos da professora Lucimar Bello.

Para experimentar

Você já se perguntou que tipo de materiais podemos utilizar para desenhar? Praticamente, podemos desenhar com tudo e em qualquer lugar. Aliás, quando somos crianças, é isso que fazemos, exploramos materiais e suportes (paredes, chão, papéis, etc.) para construir nosso olhar sobre o mundo. Que tal experimentarmos alguns desses materiais?

Proposta 1: Explorando materiais e suportes

Reúna vários materiais, tanto industrializados, aqueles que a gente encontra prontos, convencionais ou não convencionais, bem como materiais naturais (carvão, sumo de folhas etc.) e explore, risque, rabisque, se sinta um(a) investigador(a). Nas colunas A e B, temos alguns exemplos:

A intenção dessa pesquisa é exploratória. Você vai precisar de um caderno ou uma espécie de bloco de anotações para registrar os resultados que lhe parecerem mais interessantes. Por isso, não precisa ficar-se preocupando em fazer representações figurativas ou mesmo abstratas, risque e rabisque, veja como cada material reage em cada suporte – por exemplo, como o carvão (que pode ser aquele caseiro) risca num papel liso e como o mesmo carvão risca num papel mais áspero.

Que tal começar praticando com a sua assinatura? Ou melhor, “des-praticando”, entendendo-a como um desenho que pode ser feito de várias maneiras. Observe as assinaturas presentes na Figura 2 e analise quais materiais foram usados:

Faça e refaça a sua assinatura, explore com vários materiais. Solte sua imaginação. Use materiais como caneta esferográfica, tinta, tijolo, carvão; use-os em conjunto com vários suportes, como papel-alumínio, lixa, jornal, madeira. Não existe certo nem errado. Vá em frente e divirta-se!

Proposta 2: Soltando o traço

Procure fazer ações cotidianas com outro tipo de percepção, por exemplo.

Caminhe por uma rua, observando paredes, portas, janelas, portões. Repare nas semelhanças ou diferenças de formas, de linhas. Repare nas sombras projetadas de casas e edifícios, dos postes, da fiação elétrica. Preste atenção nos descascados das paredes, dos muros. Que desenhos formam? Observe também as árvores, como os galhos se retorcem ou se espicham – o que eles formam? Repare na chuva na vidraça, no ritmo e no rastro das gotas escorrendo. Não se esqueça também de prestar atenção na diversidade de desenhos dos tipos humanos. Tem cada desenho interessante! Desenhe tudo isso em sua cabeça; caso queira, passe para um papel.

Arrume flores no vaso, devagar. Pare, olhe, desarrume e arrume de novo até chegar “no ponto” em que não queira mais mudar. Desenhe ou fotografe o resultado final.

Tire várias peças de roupa ponha sobre a cama ou no encosto de uma cadeira ou sobre outro lugar que ache adequado e desenhe. Fotografe os vários arranjos e, depois, analise-os comparativamente.

Escolha pratos, jarras, frutas (ou outro objeto) e faça um desenho com eles.

Se, mesmo depois que tiver lido essas palavras e feito as propostas de experimentações, você continuar com aquele desejo de “desenhar de verdade”, não se preocupe. Um processo não anula o outro. Pelo contrário! Podemos chegar a vários tipos de representação, mas, antes disso, é importante entender a variedade de possibilidades de representação. Podemos partir de duas classificações básicas, a representação figurativa e a representação abstrata.

Esses tipos de representação podem estar ligados ao mundo a que costumamos chamar de artes visuais ou plásticas, de artes comerciais (ilustração, publicidade), técnicas (projetos de design, de arquitetura, etc.) de comunicação visual (logotipo, sinalizações, etc.) e até mesmo de um tipo de desenho mais despretensioso, que é aquele que fazemos enquanto conversamos ao telefone ou ouvimos música. Todas essas formas têm seu valor, e uma não é mais importante ou mais representativa do que a outra (Figura 3).

1.1 Materiais e suportes para desenho

São vários os materiais que podem ser utilizados no desenho. Alguns nós já citamos e experimentamos. Agora veremos os mais utilizados academicamente.

• Lápis grafite: É o instrumento mais comum e mais utilizado para o desenho. Existem muitas técnicas de uso para o lápis, e parte da escolha pessoal de cada um adaptar a si a técnica que mais lhe interessar, observando também aquilo que se deseja transmitir. A graduação do grafite vai do mais duro (H), passa pelo médio (HB) e segue ao mais macio (B). Quanto mais duro, mais claro é o traço; quanto mais macio, mais escuro. Essa escala é aumentada pelo uso de números, que indicam a intensificação da característica representada pela letra. Assim, um lápis 2H é mais macio que um 6H, enquanto um 2B é mais duro que um 6B. Na Figura 4, as esferas foram construídas usando lápis duro (HB), enquanto as zonas de sombra no corpo da mulher foram feitas usando lápis médio (2B) e macios (de 4B a 8B).
• Lápis de cor: Elaborado a partir da junção de pigmentos com um aglutinador. É um material fácil de se manusear e também de se encontrar no mercado. Hoje existe uma enorme gama de cores, mas o desenho se valoriza mesmo é com a mistura delas. Com os lápis aquarelados podemos criar alguns efeitos semelhantes à aquarela se o mergulharmos na água ou passarmos um pincel umedecido sobre o desenho (Figura 6).
• Pincel atômico e canetas hidrocor: São muito usados para a construção de desenhos que não exigem detalhes, apropriados para esboços e desenhos rápidos. Os desenhos com canetas à base de água (hidrocor) executados em papel mais encorpado poderão ser trabalhados como “aguada” – depois de terminado o desenho com a caneta, basta passar sobre ele o pincel umedecido em água; criam-se manchas e efeitos interessantes no desenho. Na Figura 6, observe como a caneta hidrocor, sem a aplicação da “aguada”, mantém as linhas puras, em contraste com o branco do papel.
• Pastel seco e oleoso: Os pastéis secos são feitos de pigmento puro com pequena quantidade de goma. Esfarelam-se facilmente. Por isso, é necessário o uso do fixador. Observando o desenho de Rosalba Carriera (Figura 7), uma das pioneiras na utilização do pastel seco, é possível notar que os traços se mostram difusos na imagem, de maneira que só são realmente notados quando observados de uma distância pequena.

O pastel oleoso (Figura 8) não necessita de fixador já que o seu pigmento é unido por ceras e óleos. Esse material parece um pouco com o giz de cera muito utilizado no meio escolar.

Nas Figuras citadas, mostramos apenas um exemplo de técnica com cada material. A gama de possibilidades que cada um desses materiais abre é enorme; e aos interessados aconselhamos uma pesquisa mais extensa sobre o assunto.

Pesquise sobre quais materiais artísticos estão disponíveis em sua cidade. Com que outros materiais, além dos citados, podemos desenhar? Recorde de nossas atividades anteriores; pesquise na natureza e no mercado. Explore os efeitos dos materiais convencionais e os não convencionais.

Você pode utilizar diferentes tipos de papel para desenhar. Existem papéis apropriados para cada técnica, e o resultado do trabalho depende, de certo modo, da qualidade do papel. Duas informações são importantes para você escolher o papel correto: o peso (gramatura) e a porosidade.

Os papéis são os suportes mais utilizados, especialmente em situação escolar. Existe uma grande variedade de papéis no mercado. Os de maior qualidade têm custo mais alto. Em nosso curso, trabalharemos com os mais acessíveis, porém é interessante que você conheça o que o mercado oferece. Procure construir um mostruário com uma variedade de papéis com que um artista pode trabalhar. Os mais rugosos são bons para o uso de técnicas úmidas tais como aquarela. Papéis mais duros e secos permitem o trabalho com tintas. O papel cartão, que tem uma superfície lisa, aceita muito bem tanto tinta nanquim, quanto hidrográfica ou mesmo tintas à base d’água (guache e acrílicas). Aos poucos, você irá adquirindo familiaridade com esse repertório de possibilidades.

Lembre-se: uma vez que estamos formando professores/as de artes visuais, é importante que você pesquise e faça seus alunos pesquisarem. Na pesquisa, consideramos pelo menos três variáveis: Material/ Suporte/ Gestualidade.

1.2 Elementos da linguagem visual

Agora que você já explorou, de forma livre, as várias possibilidades entre materiais e suportes, vamos desenvolver nosso trabalho de modo mais sistemático. Este primeiro tópico de estudos introduzirá os conceitos básicos de desenho e materiais utilizados; falaremos e desenvolveremos experimentações a partir dos elementos da linguagem visual, ponto, linha, formas, textura, composição, ritmo, movimento, equilíbrio.

Durante a alfabetização, temos que primeiro conhecer as letras. Depois vemos que a junção dessas letras constitui as sílabas. Essas constroem palavras que, por sua vez, constroem frases. No desenho, podemos também adotar essa sequência: conhecer primeiro os elementos da linguagem gráfica para, em seguida, desenvolver, com maior segurança, a construção de imagens. Existem vários caminhos; esse não é o único. Mas, concordamos com que seja importante adquirir familiaridade com essa “caixa de ferramentas” e conhecer os elementos da linguagem visual, que são o ponto, a linha, a forma, a textura, composição e ritmo, movimento, equilíbrio e unidade.

Como utilizarei o ponto? Centralizado ou descentralizado? Sobreposto? E sobre sua ocupação no espaço, qual será a dimensão, a escala? A linha será uma linha suave, ou densa, ou pesada? Haverá textura ou não? Qual tipo será utilizado? É assim que a composição acontece, através de escolhas e de exclusões.

1.2.1 Ponto

Segundo Wassily Kandinsky, artista e teórico da escola de Bauhaus, “o ponto é o resultado do primeiro encontro da ferramenta com a superfície material, o plano original. Papel, madeira, tela, metal, etc. podem constituir essa superfície material. Lápis, goiva, pincel, pena ou buril pode ser a ferramenta. Por esse primeiro choque o plano original é fecundado.” (p. 21 em KANDINSKY, Wassily. Ponto e linha sobre plano. São Paulo: Martins Fontes, 1997). O ponto é o princípio gerador de todo trabalho.

Esse elemento pode ser usado para construir composições, gerando infinitas possibilidades. Na Figura 9, é possível notar como a artista Ivone Lyra conseguiu, através da manipulação desse simples elemento, criar uma composição.

Para experimentar

Desenvolva os exercícios, utilizando o ponto feito com caneta hidrocor sobre papel. Explore os seguintes conceitos: justaposição; sobreposição; pequena, média e grande ocupação do plano; construção centralizada e descentralizada; ponto claro no plano escuro, ponto claro no plano escuro, ponto escuro no plano escuro e ponto escuro no plano claro. Observe os exemplos conceituais expostos na Figura 10. Não se esqueça de arquivar o resultado em seu portifólio!

1.2.2 Linha

Pode-se considerar linha como o rastro de uma série de movientos de um ponto. A linha pode se apresentar de diferentes modos, com variações na intensidade (clara ou escura), na espessura (grossa ou fina) na medida (comprimento e duração), além da direção, do ritmo, da densidade e energia. Podem ainda ser retas, horizontais, verticais, diagonais, curvas, orgânicas, recortadas, alongadas.

Observe o emprego das linhas nas Figuras 10 a 13:

As linhas podem, também, expressar os sentimentos e as intenções do artista.

Ao explorar as possibilidades da linha sobre o papel, estabelecemos o que conhecemos por gestualidade. Quando alguém fala sobre o “traço” de um artista, é à sua gestualidade que se refere.

Para Experimentar

Desenvolva os exercícios, utilizando o ponto feito com caneta hidrocor sobre papel. Não se esqueça de registrar o resultado no seu portifólio! Explore variações de intensidade (clara ou escura), de espessura (grossa ou fina), quanto à medida (comprimento e duração), direção, ritmo, densidade e velocidade. Observe os exemplos conceituais expostos na Figura 13. Não se esqueça de arquivar o resultado em seu portifólio!

1.2.3 Forma

A forma é, segundo o Dicionário Aurélio, o limite exterior da matéria de que é constituído um corpo e que lhe conferem um feitio, uma configuração, um aspecto particular. Nas artes visuais, utilizamo-nos da linha para descrever/delimitar uma forma, sendo algumas consideradas básicas: o quadrado, o círculo e o triângulo equilátero.

Cada uma dessas formas tem características específicas e é associada a percepções psicológicas e fisiológicas. Segundo Dondis, ao quadrado, por exemplo, se associa enfado, honestidade, retidão e esmero; ao triângulo, ação, conflito, tensão; ao círculo, infinitude, calidez, proteção. (DONDIS, 2000, p. 58)

Todas as outras formas são derivadas das combinações e variações infinitas dessas três formas básicas, conforme podemos observar na Figura 14.

Além do quadrado, do círculo e do triângulo, que são formas bidimensionais, temos as formas volumétricas que são: o cubo, a esfera, o cone, o cilindro, pirâmide, paralelepípedo (Figura 15). Essas formas nos auxiliam muito na construção de desenhos de objetos.

No desenho, podemos analisar as formas dos objetos, partindo das formas geométricas. Observe a Figura 16. Primeiro, identificamos, no objeto, as formas básicas – triângulo, quadrado, círculo – que ele contém. Depois, as formas foram acrescidas de certo volume, definindo, mais claramente, o objeto. Em seguida, as características próprias do objeto passaram a predominar, e surge então o desenho completo.

1.2.4 Textura

Nas artes, você pode desenvolver várias possibilidades de texturas. A textura visual (Figuras 17 e 18), composta através de linhas, permite que se criem efeitos que nos lembram a sensação tátil do objeto.

A textura tátil é obtida pela exploração de diferentes materiais. Uma outra forma de textura vem de uma técnica conhecida como Frottage, o termo vem do francês, frotter, que significa esfregar. Para desenvolver um Frottage (Figura 19) o papel (suporte) é colocado sobre uma superfície texturizada, como madeira não polida, chão áspero, pedra, folhas secas ou outra superfície qualquer que seja rugosa. Em seguida, um lápis é esfregado em cima do papel obtendo diferentes texturas para o desenho.

1.2.5 Composição/Ritmo

Composição plástica é a distribuição harmoniosa de formas e cores num conjunto de elementos visuais. Uma questão muito importante, na composição, é o enquadramento do papel.

Pensar na composição é uma questão perceptiva, porém importantíssima para o resultado final. O que deve fica dentro e fora de nossa composição? Dependendo do corte no enquadramento, o observador é convidado a completar mentalmente partes da imagem que não representamos (Figura 20).

Ao criar suas composições, primeiro observe: o que você pretende desenhar? Como ficará melhor? Com o papel em orientação vertical (retrato) ou horizontal (paisagem)? Experimente fazer um mesmo desenho em duas folhas distintas, cada uma seguindo uma orientação. Observe as diferenças expostas nas Figuras 21 e 22.

A composição plástica é formada por elementos estruturais e elementos intelectuais. Elementos Estruturais (Figura 23) são aqueles considerados primordiais em uma composição, em sua estrutura: linha, forma e cor. Já iniciamos nossos estudos quanto à linha e forma. Elementos Intelectuais (Figura 24) são os elementos trabalhados, intelectualmente, ou seja, por meio de estudos, de observações, não são analisados de forma isolada e sim percebidos na composição. São eles: ritmo, equilíbrio, movimento, unidade.

1.2.6. Ritmo, Movimento, Equilíbrio, Unidade

Ritmo (Figura 25) é a variação que ocorre, periodicamente, de forma regular, a repetição periódica de um mesmo elemento composicional. São elementos que, dispostos de maneira correta, são capazes de guiar o olhar do observador através da composição.

Representar o movimento, através de uma imagem estática é uma tarefa um tanto complexa. Existem, contudo, algumas técnicas que auxiliam na representação do movimento. Linhas inclinadas sugerem dinamismo, enquanto verticais e horizontais sugerem um estado estacionário. Assim, se uma composição tem seu “eixo” inclinado, a sensação de movimento é acentuada.

Torne-se um bom observador. Olhe como coisas e pessoas se movimentam. Procure perceber a dinâmica do equilíbrio e como essa se altera ao longo dos mais variados atos. Assista a esportes, preste atenção no caminhar das pessoas. Paralelamente a isso, desenhe o máximo possível. Assim suas mãos se tornarão capazes de desenhar o que seus olhos percebem (Figura 26 e 27).

Equilíbrio, segundo o Dicionário Aurélio, é gerado pela igualdade, absoluta ou aproximada, entre forças opostas. Em um trabalho visual, vemos o equilíbrio relacionado diretamente com o peso entre os elementos apresentados. Assim, o equilíbrio pode ser simétrico ou assimétrico, como apresentados, respectivamente, nas Figuras 28 e 29.

A unidade é a coordenação ou harmonia das partes (manchas, traços, volumes) de uma composição de modo que o quadro seja visto como um todo. Apesar de cada parte ser importante, elas, em conjunto, formam o todo do trabalho (Figura 30).

Agora é hora de você reunir todas essas informações e praticar. Faça do seu espaço (mesmo que pequeno) um grande ateliê de experimentações. Tenha sempre por perto uma lata/caneca/vidro com muitas e variadas canetas, uma gaveta ou caixa com variados papéis e outros suportes e, quem sabe, caso você goste, um aparelho de som por perto. Escolha um momento seu e divirta-se (mas de forma concentrada), realizando muitas experimentações gráficas. Observe sempre os resultados; do que você mais gostou? Escolha alguns resultados e pendure ou pregue na parede. Esse é o seu momento “laboratório de artista”. Você verá o quanto é prazeroso.

Esperamos que a essa altura você já tenha se exercitado bastante, ganhado cada vez mais familiaridade com materiais, suportes, procedimentos, repertórios dos fundamentos da linguagem visual e tenha também aprimorado sua percepção em relação a esse universo gráfico. Vamos continuar nossa “aventura desenhística”, estudando alguns procedimentos de construção do desenho de observação.

1.3 Desenhos de Observação – Práticas experimentais

Agora estudaremos alguns procedimentos importantes na construção do desenho de observação. Começaremos a pensar também questões relativas à composição. Sempre observe, atentamente, os objetos, pessoas ou paisagens a serem desenhados. Cada um tem seu formato e tamanho, características especiais e particulares. Qual a forma mais interessante para representá-los? Produzindo bastante, você poderá comparar os seus desenhos e ver as diferenças entre eles e perceber o que se apresenta de mais interessante a ser explorado em seu desenho.

1.3.1 Desenhando objetos, ambientes/paisagens e a figura humana

Em uma composição com vários objetos, principalmente com objetos cilíndricos (canecas, tigelas, vasos, etc.), é interessante observarmos as linhas de eixo de altura e de largura. Após determiná-las, faça o mesmo processo de observação para de medir as proporções.

Para desenhar objetos cilíndricos, como um copo, um bule, uma xícara, a dica é, primeiramente, decompor os objetos observados em formas simples, como cones, cubos e esferas. Disponha as figuras geométricas, procurando simular as relações de proporção no objeto observado, seguindo o exemplo exposto na Figura 31:

Para desenhar um copo, podemos imaginá-lo como duas elipses (base e boca) unidas pela borda (Figura 32). Se mudarmos o ângulo de visão sem alterar a distância entre o copo e nossos olhos, poderemos observar uma alteração nas elipses. Quanto mais alto é nosso ponto de vista, mais circulares elas pareceriam. Quanto mais baixo, mais chatas ficariam as elipses. Círculos perfeitos só seriam vistos se olhássemos diretamente por cima do copo.

Ao desenhar objetos como uma xícara, represente a elipse completa, depois apague as partes que não são visíveis, ou intensifique as outras, ou pinte. Veja o exemplo exposto na Figura 33 sobre como combinar formas:

Agora é sua vez de soltar o traço. Lápis e papel na mão. Trabalhe movimentos circulares e também formas elípticas, achatando-as gradualmente. Você sentirá o seu traço fluir mais confortavelmente. É bom iniciar o exercício sem tocar o papel: segure o lápis com pulso firme, mova o braço inteiro, depois de alguns movimentos vá aproximando o lápis no papel. Não coloque muita pressão no papel, deixe o braço mais solto para o movimento fluir. Também não seja leve demais, ou o traço nem aparecerá. Treinando, você conseguirá uma linha expressiva. Você pode treinar também com linhas retas horizontais, verticais e curvas. Experimente.

Que tal começarmos também a fazer desenhos de observação? Para fazer um bom trabalho, é necessário parar e olhar, atentamente, para o objeto que você escolheu representar.

Para experimentar

Para iniciar, escolha, por exemplo, uma folha (de árvore) de formas simples. Com um lápis 2 ou 3B faça um desenho bem leve do formato geral da folha, sem detalhes. Agora comece a desenhar as grandes linhas estruturais na superfície da folha, ainda levemente. Após isso, vá reforçando os contornos ou use um lápis mais forte, acrescentando cada vez mais detalhes. Considerando que esse é um exercício de observação, procure copiar com fidelidade o que você vê. Varie a espessura das linhas de acordo com as sombras que você percebe, dando-lhes diferentes valores lineares, isto é, linhas mais finas e/ou mais grossas. Essa variação acentua a expressividade do desenho (Figura 34).

Proposta 1: Composição com objetos

Selecione cinco ou mais objetos simples, como livros, caixas, vasos, copos, panelas, etc. Desenhe cada um separadamente, assimilando as suas formas, comparando-os mentalmente à medida que for desenhando.

Após desenhá-los separadamente, faça composições com esses objetos ou, se quiser, insira outros. Nesse momento, preocupe-se em representar o todo, a forma geral da composição. Inicie o desenho através da simplificação dos objetos, conforme os exemplos anteriormente vistos. Somente depois, acrescente os detalhes. Desenvolva ao menos cinco desenhos, variando as composições com os mesmos objetos, ou seja, alterne a posição dos elementos. Procure variar os materiais artísticos, usando hidrocor, grafite, caneta bic, lápis de cor, etc. Faça muitos desenhos, não economize papel. Procure um papel mais barato para desenhar, despreocupadamente, e lembre-se de que esses são exercícios para sua aprendizagem. Faça independente do resultado. Quanto mais você produzir, melhor será o seu traço, a compreensão da representação das formas e também desenvolverá o seu potencial criativo.

Fotografe ou digitalize os resultados. Insira os exercícios em seu portfólio.

Proposta 2: Desenhando espaços negativos

Reúna alguns objetos. Podem ser panelas, garrafas, colheres, frutas, etc. Desenhe somente seu contorno (Figuras 35, 36 e 37). Procure observar e comparar os elementos entre si, analisando a relação de altura, largura ou comprimento de um para o outro. Qual o maior objeto? Qual o mais largo? Fique atento ao modo como os objetos do modelo se sobrepõem. Em que ponto da imagem isso acontece? Imagine a quadrícula, e isso facilitará sua observação.

Após desenhar o contorno, preencha somente os espaços vazios com tinta nanquim ou guache pretas. Quando terminar de preencher com preto, você pode usar a tinta branca para pintar os objetos, eliminando as linhas internas do desenho e fazendo correções, se necessárias. Você obterá uma imagem semelhante à apresentada na Figura 38. Essa técnica é chamada de espaço negativo, e tem grande utilidade na prática de desenhos de observação e na compreensão da composição.

Não se preocupe em acertar da primeira vez que fizer o exercício. Somente através da prática é que os bons resultados são atingidos.

Proposta 3: Desenhando ambientes e paisagens

O desenho de ambientes e paisagens também segue a mesma orientação. Utilize um recurso que chamamos janela: em um papel mais espesso corte, com um estilete, um pequeno retângulo e use essa abertura como visor para enquadrar o que deseja desenhar (Figura 39). Como se fosse uma máquina fotográfica, selecione o enquadramento que mais lhe agradar. Preste atenção no todo que aparece na sua janela: o que está na base, que elementos ocupam as margens e o topo?

Você pode transferir o que está observando através de seu visor para o papel. Esse é um recurso usado pelos artistas desde o Renascimento para “treinarem” a percepção do olhar. Quem quiser incrementar seu visor, pode inserir linhas esticadas nas bordas do visor, criando uma grade de quadrados, cuidadosamente medidos para manter a fidelidade nos ângulos e distâncias. Esse visor recebe o nome de quadrícula, e sua principal função é auxiliar na transferência proporcional da imagem. Preste atenção aos locais em que os objetos enquadrados tocam as margens do visor e transfira essa informação para o seu papel. Observe a Figura 40.

O vaso está levemente deslocado para a margem direita da composição. O arranjo de flores ocupa a metade superior da quadrícula e toca tanto a margem direita quanto a margem esquerda da composição. As flores sobre a mesa encontram-se na metade dos quadrados da base. Quando desenhar sua própria composição, procure se orientar da mesma maneira.

De acordo com as experimentações e pesquisas já realizadas, escolha os materiais de que mais gostou e explore os efeitos com os quais se sentiu mais à vontade.

Proposta 4: Desenhando a figura humana

A figura humana é alvo recorrente de representação gráfica desde as cavernas. Encontramos as mais diferentes soluções para representar seres humanos, das formas mais esquemáticas (como nos desenhos infantis) às formas mais “realistas”, daquelas diante das quais se costuma exclamar: “ficou igualzinho!!!”. Isso é a representação figurativa, lembra-se? No entanto, como comenta Ernest Gombrich, toda representação é uma ilusão, uma convenção. Portanto, nesse exercício, você não tem que, necessariamente, desenhar igualzinho.

Para começar, peça a alguém que seja seu modelo (não precisa fazer poses), que sente ou fique numa posição confortável, por exemplo, sentado lendo um livro. Você pode usar o mesmo recurso do visor que construiu ou, se precisar, faça um novo. Selecione seu campo de visão. Nossa sugestão é que comece pelo todo, ou seja, tente ir demarcando no papel a forma geral da figura observada, como já fizemos anteriormente. Só depois, você desenhará as partes: braços, cabeça, tronco, etc. Detalhes, tais como boca, olhos, cabelos, faça somente no final (Figura 41). Existem várias técnicas que você vai encontrar em livros, revistas e sites sobre o desenho da figura humana. Fique à vontade para pesquisar. Podemos aproveitar um pouquinho de cada informação e construir nossa própria maneira de desenhar.

Proposta 5: Desenhando recortes/formas

Esse exercício tem como base os resultados dos exercícios anteriores. Escolha um desenho já realizado de cada tema (objetos, paisagem, figura humana). Construa uma janela um pouco maior do que aquela usada como visor para enquadrar paisagens e figuras humanas (Figuras 42 e 43). Escolha um tema para começar. Agora coloque o papel recortado em cima do desenho em papel, deslize-a sobre a superfície observando com atenção as formas e as diversas possibilidades que você tem de recortes visuais dentro de um único trabalho. Pare a janela num pedaço que apresentar uma composição visualmente satisfatória. Transfira essa composição para um espaço maior, gerando assim um novo trabalho. Você vai se surpreender com os novos resultados!

Escolha três recortes/formas que achar mais interessante. Amplie-os usando apenas o lápis e coloque cada um em um novo papel. Você não terá mais o desenho completo. Formas mais próxima da abstração poderão surgir.

Explore, em cada um desses recortes ampliados, o uso de diferentes materiais. Você pode usar materiais similares (por exemplo, diferentes tipos de lápis) ou explorar a mistura de materiais diferenciados (pincel e lápis, etc.). Procure usar suportes apropriados para os materiais que escolher.

Unidade 2: Pintura

Pintura é a técnica de aplicar tintas ou pigmentos sobre uma superfície bidimensional, explorando cores, além de texturas e formas. Hoje, com todos os recursos tecnológicos e programas computacionais, o conceito de pintura se amplia, e podemos defini-la como uma representação visual das cores. São dois conceitos que não são excludentes e sim se agregam.

Para iniciarmos nosso estudo sobre pintura, estudaremos algumas definições sobre o elemento que a estrutura, ou seja, a cor. Israel Pedrosa, um estudioso brasileiro sobre cores, apresenta as seguintes reflexões:

A cor não tem existência material: é apenas sensação produzida por certas organizações nervosas sob a ação da luz – mais precisamente é a sensação provocada pela ação da luz sobre o órgão da visão”.

Cor-luz, ou luz colorida, é a radiação luminosa visível... Sua melhor expressão é a luz solar, por reunir de forma equilibrada todos os matizes existentes na natureza.

Cor-pigmento é a substância material que conforme sua natureza, absorve, refrata e reflete os raios luminosos componentes da luz que se difunde sobre ela. É a qualidade de luz refletida que determina a sua denominação. O que faz com que chamemos um corpo de verde é sua capacidade de absorver quase todos os raios da luz branca incidente, refletindo para nossos olhos apenas a totalidade dos verdes’. Comumente chamamos de cor-pigmento, os corantes naturais ou químicos, as tintas.

Pensemos agora nas cores locais. Na sua região, quais cores são predominantes? Olhe o céu, a terra, a vegetação. Como é a sua paisagem? Há alguma festividade? Que cores são usadas? E as pinturas das casas? Perceba as cores ao seu redor. Que tal você produzir uma tabela de cores presentes em sua localidade? O universo das cores é amplo, e seu estudo e compreensão cultural requer dedicação, observação e claro, abertura para descobertas diversas!

No estudo das cores, podemos dividi-las em primárias, secundárias e terciárias. Nesse contexto do estudo sobre cores, outras subdivisões podem ocorrer. Ao observar seu “comportamento”, ao relacioná-las entre si, podemos falar sobre cores complementares, análogas, frias e quentes. Vejamos as interpretações que podemos dar a cada uma dessas divisões e subdivisões:

• Cores primárias são as três cores que são indecomponíveis e que, misturadas em proporções variáveis, produzem as outras cores do espectro: magenta, ciano e amarelo (Figura 44).

• Cores secundárias são os resultados da soma de duas cores primárias, com a mesma proporção entre elas. São exemplos de cores secundárias de cor-pigmento: o verde, o roxo e o laranja (Figura 45).

• Cores terciárias são as intermediárias entre uma cor secundária e qualquer das duas primárias que lhe dão origem. Podemos citar como exemplo uma tonalidade de verde claro, composta por uma proporção de verde (secundária) e amarelo (primária) (Figura 46).

• Cores complementares são aquelas que se apresentam opostas no disco de cores (Figura 47). Uma cor primária é sempre complementada por uma cor secundária, em posição oposta à da cor primária. Por exemplo, a cor complementar do vermelho é o verde.

• Cores análogas estão próximas, carregam a mesma cor básica. Um roxo e um magenta carregam a cor vermelha, por exemplo.
• Cores frias e quentes – As cores frias são as mais próximas das tonalidades de azul e de verde, transmitem sensações de repouso, de tranquilidade, enquanto as cores quentes são próximas das tonalidades de vermelho e de amarelo, são mais vibrantes, enérgicas (Figura 48). Note, porém, que um verde-amarelado, numa escala de vermelhos e amarelos, parecerá frio. Em comparação com os azuis e violetas, o mesmo verde-amarelado parecerá quente.

Ao acrescentar branco ou preto a uma cor primária, elaboramos uma escala de valor tonal. Nessa escala, a cor primária vai sendo alterada gradativamente. Podemos elaborar uma escala de valor tonal crescente quando acrescentamos branco em sua mistura. Ao acrescentar preto, formamos o que podemos chamar de uma escala de valor tonal decrescente, uma vez que reduzimos a luminosidade da cor primária, base da mistura.

Observe, na Figura 49, uma escala tonal, em que a cor magenta foi-se alterando, gradativamente, com o acréscimo de branco e de preto.

Para experimentar

Proposta 1: Composição com recortes

Antes de aprender a mistura e geração de cores, vamos percebê-las com recortes de papéis coloridos (cartolina, duplex etc.). Recorte quadrados de diversas medidas nas cores vermelho, azul, verde, amarelo, branco, preto. Brinque com esses papéis, colocando o menor em cima do maior, ao lado, em cima, em baixo, vá fazendo composições e perceba as diferenças que ocorrem com a utilização de cada cor. Reúna suas experimentações e as integre ao seu portifólio.

Proposta 2: Construindo escalas de valor tonal

Partindo das cores primárias, desenvolva uma escala tonal crescente, acrescentando proporcionalmente branco em sua mistura. Depois, faça o mesmo, acrescentando o preto. Quanto mais você misturar as cores e criar a sua paleta, mais rico se apresentará o seu trabalho. Experimente as possibilidades. Guarde os resultados no portfólio.

2.1 Materiais, suportes e práticas experimentais

Existem várias técnicas de pintura em que são utilizados diferentes tipos de tintas mais conhecidas são: a com tinta a óleo, tinta acrílica, guache, aquarela (Figuras 50, 51, 52 e 53).

• Tintas acrílica e óleo – Podem ser utilizadas diretamente na tela ou podem ser diluídas. As acrílicas são à base de água , e o meio é a água. Já a tinta a óleo pode ser diluída em aguarrás, óleo de linhaça ou o solvente já pronto, que é encontrado no mercado. Existem meios que criam uma certa transparência na tinta, deixando-a mais rala, e meios que a espessam mais, engrossando-a. Não trabalharemos com tais meios, no momento, mas, futuramente, você pode vir a trabalhar. Existe também um retardador que desacelera a secagem da tinta, no caso da acrílica.
• Pincéis – No mercado, existem vários tipos de pincéis. Os melhores são os mais macios feitos  de pelos de animais. Porém, existem os sintéticos que também possibilitam resultados interessantes. É importante ressaltar que tudo depende da intenção do artista no trabalho. Além dos materiais diversificados, as formas dos pincéis também são importantes na escolha. Existem vários formatos de pincel: redondo, chato, formato de leque, retangular e várias espessuras, cada um com finalidade específica (Figura 54). São diversas as possibilidades, e somente quando começar a praticar e utilizá-los é que se identificará com o que se adequa à maneira como você trabalha e sua intencionalidade.

• Espátulas – Existem em vários formatos. É utilizada para misturar as tintas ou raspá-las na tela, podendo até substituir o pincel, dependendo de como o artista queira trabalhar. Geralmente, encontramo-las com uma lâmina de aço flexível e cabo de madeira ou de plástico por inteiro (Figura 55).
• Paleta – É usada para misturar as tintas antes de aplicá-las. Existem as de madeira, as de plástico, de vidro, de alumínio (Figura 56). Para a tinta acrílica, a paleta de madeira não é interessante, pois seca rapidamente, e não há como limpá-la. Para aquarela, são mais apropriados os godês (Figura 57), que não permitem que a tinta mais aguada escorra.

• Cavalete – É o instrumento onde se apoia a tela para pintar. Existe de diversas dimensões, para telas pequenas (são dobráveis, feito uma maleta) e para telas grandes (Figura 58). Facilita muito o trabalho. Veja o modelo da foto, ele é bem simples e pode ser feito pelo marceneiro de sua cidade.

Para experimentar

Proposta 1: Pinturas e afetos

Escolha, em casa, cinco objetos com que você tenha um tipo de relação afetiva.  Pense qual o significado deles para você. Lembra-se da Unidade 1, quando falamos dos elementos da linguagem visual? Falamos também sobre as escolhas, sobre o que você quer representar? Então, antes de começar, reflita o que você quer, defina as cores e como vai desenvolver a composição, reveja também o item 1.3 sobre as etapas do desenho.

São cinco pinturas a serem desenvolvidas, faça, no mínimo, cinco composições diferentes. Começaremos trabalhando com tinta guache, por ser mais simples de trabalhar e acessível.

É interessante fazer primeiro o desenho com lápis bem leve, sugerir o que está sendo representado para, em seguida, desenvolver a pintura.

Proposta 2: Recortes visuais

Agora faça uma janela em papel, deslize-a sobre a pintura (Figura 59). Observe, com atenção, as formas e as diversas possibilidades que você tem de recortes visuais dentro de um único trabalho.

Escolha três recortes/formas que achar mais interessante. Amplie-os, usando apenas o lápis, e coloque cada um em  um novo papel.

Proposta 3: Ampliando recortes

Explore, em cada um desses recortes ampliados, as cores. Primeiro usando cores análogas, depois complementares, em seguida quentes ou frias. Você não terá mais o desenho completo, com todas as informações; poderá criar pinturas com formas abstratas.

Para finalizar esta temática, desenvolveremos pinturas em tela ou em suportes apropriados. Escolha três trabalhos desenvolvidos até  agora desde o início da disciplina para pintar. Se quiser, use a tinta acrílica para experimentar outro material.

Caprichar no acabamento é um fator muito importante no trabalho. Não se esqueça de incluir, no portfólio, todos os trabalhos que vocês  desenvolveu até agora!

Esperamos que esta disciplina, de introdução à linguagem bidimensional, tenha feito você explorar as questões relativas ao desenho e a pintura e que o ajude a pensar que, em arte, há um universo a ser pensado e explorado. Aqui é apenas um começo, uma pequena aproximação com esse imenso mundo de possibilidades.

Referências bibliográficas

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OSTROWER, Fayga. Universos da arte. Rio de Janeiro: Elsevier Editora, 2004.

PEDROSA, Israel. Da cor a cor Inexistente. Brasília – DF. Editora FUNAME. 1980

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